COVID-19 e Black Lives Matter foram dois dos principais eventos que sinalizaram as mudanças que podem – e em muitos casos devem – ocorrer no próximo ano

Andrew Durbin:  Vamos começar de forma ampla. COVID-19 mudou o mundo da arte para sempre ou apenas temporariamente?

Pablo Larios:  Vejo três áreas nas quais COVID-19 acelerou mudanças permanentes que já estavam em andamento no mundo da arte: digitalização, realocação e financiamento. Ficamos muito mais confortáveis ​​olhando (e revisando) exposições on-line, mas também há um senso renovado de atenção local: intuitivamente, de repente importa mais o que está acontecendo em sua própria vizinhança do que um evento de arte em todo o mundo que você ganhou ‘ não vejo de qualquer maneira.

Evan Moffitt:  Eu concordo com você, Pablo, COVID-19 acelerou principalmente as tendências que vêm acontecendo no mundo da arte nos últimos anos. Também espero ver uma boa consolidação entre as galerias de médio e grande porte: as grandes continuarão crescendo e as pequenas chegarão ao fundo do poço.Fico triste com muitas das mudanças que a pandemia acelerou. Fico pensando no artigo de Kyle Chayka, ‘Será que o mundo da arte pode acabar com seu vício em voar?’, da edição de janeiro / fevereiro de 2020, onde ele escreve que “o pequeno e disperso mundo da arte é mantido por voos e relações humanas construídas em encontros físicos planejados e casuais”, que ele observa é um desastre ecológico.

Uma visão idealizada da pós-pandemia, uma que eu reconheci compartilhando nos primeiros dias do lockdown de Londres, poderia ter sido abordar radicalmente as instituições do mundo da arte – e vícios letais. Agora, com a vacina sendo lançada, preocupa-me que a pandemia apenas revele como é difícil para o ‘nosso’ modo de vida se adaptar sem quebrar regras.

Amy Sherlock: Eu acho que as mudanças duradouras de 2020 são menos prováveis ​​de serem consequências diretas da pandemia, como viagens aéreas, e mais prováveis ​​de serem aquelas que responderam ao Black Lives Matter [BLM] e ao foco renovado na contínuo campanhas de justiça racial que vimos na sequência do assassinato policial de George Floyd e outros nos Estados Unidos. É interessante relembrar a edição de março de 2020, que teve como foco a ética institucional e a responsabilidade. Abriu com uma coluna de Laura Raicovich, ex-diretor do Queens Museum em Nova York, sobre a necessidade das instituições de arte confrontarem as histórias e hierarquias embutidas nelas. O escrutínio dessas questões e demandas por mudanças apenas se intensificou ao longo do ano e não estão indo embora. Acho que museus e outras organizações artísticas estão em um caminho de mudança estrutural – em relação ao significado das obras em suas coleções, quem compõe sua equipe, a forma como eles se relacionam com diferentes públicos e, fundamentalmente, as histórias que contam. Não estou dizendo que o processo não seja lento, mas está acontecendo.

Terence Trouillot: Devo dizer que estou um pouco menos otimista sobre se essas boas mudanças vão realmente durar. Eu concordo que a COVID-19 só acelerou as tendências pré-existentes e, para o ponto de Amy, há esse foco extremo agora nas questões em torno da justiça racial. Mas direi que, à medida que as coisas lentamente reabriram em Nova York, há uma sensação de que o mundo da arte quer voltar aos seus velhos tempos. Se olharmos para a enorme quantidade de programas online que surgiram durante a pandemia – exposições que se apegaram fortemente a um senso de fidelidade para a experiência da galeria de arte – com algumas exceções, eles não foram tão interessantes. Tenho medo de que as coisas continuem na mesma direção.

Evan Moffitt: Eu concordo, Terence. Mesmo as instituições que tiveram respostas “fortes” ao BLM foram fundamentalmente performativas: elas fizeram exibições sobre justiça racial ou colocaram mensagens nas redes sociais. Quantos decidiram fazer contratações de alto nível ou mudar seus conselhos? Quantos decidiram investir suas doações em fundos de impacto social? A recessão econômica que podemos esperar que venha a seguir a esta pandemia provavelmente tornará ainda mais difícil para as instituições sem dinheiro reformar suas estruturas plutocráticas. Notavelmente, uma das maiores polêmicas deste outono – que eclodiu quando, para evitar serem criticados por insensibilidade racial, quatro museus decidiram adiar um Philip Guston retrospectiva organizada sem a contribuição de pessoas de cor – decorreu sem que os museus se comprometessem explicitamente a contratar curadores negros. Isso é wokeness performativo no seu pior. Artistas, artesãos e ativistas da AD fizeram um trabalho importante que muitas de nossas instituições eram incapazes de fazer. No início de 2020, Ana Tuazon pesquisou os artistas negros mais jovens que abandonaram os modelos decrépitos de distribuição para reimaginar como a arte circula e como os artistas são financiados . Ela escreve que esses artistas querem “liderar uma revolução de idéias por meio de relacionamentos, não de objetos”. Quanto a você, Amy, tenho dúvidas sobre a capacidade das instituições de melhorar; muitos parecem a ponto de quebrar porque, fundamentalmente, surgiram em condições que inibem a responsabilidade que as comunidades de arte agora exigem deles. Mas, no mínimo, 2020 restaurou minha fé nas mudanças possibilitadas pela ação coletiva.

Evan Moffitt: Nós achamos que os projetos digitais – educação online, exposições, etc. – são uma forma de artistas / ativistas oferecerem novas alternativas a esses modelos mais antigos?

É difícil abrir uma instituição sem fundos significativos e literalmente impossível fazer isso agora. Mas acho difícil endossar a internet como um espaço utópico hoje em dia, quando acessar um público amplo significa empregar plataformas de mídia social e ferramentas de videoconferência que são controladas por corporações exploradoras e pelo Estado.

Terence Trouillot: Tenho muita esperança de que os projetos digitais tenham um impacto tremendo em como nos envolvemos com a arte no futuro: eles também foram cruciais para nossa experiência social durante esse período. American Artist’s Looted (2020) – em que todas as imagens de obras de arte no site do Whitney Museum foram temporariamente substituídas por imagens de madeira compensada como um comentário sobre os protestos do BLM e a apropriação colonialista histórica de artefatos culturais por museus ocidentais – serve como um exemplo bem-sucedido disso. Há também o incrível Black Trans Archive de Danielle Brathwaite-Shirley. Eu sinto que ainda estamos apenas arranhando a superfície quando se trata do potencial desses projetos digitais, mas eles já levantaram questões não apenas sobre raça, mas também sobre acessibilidade.

Amy Sherlock: Algo que tirarei desse período é uma compreensão renovada da arte como uma experiência coletiva. Com isso, não estou me referindo apenas à arte ‘socialmente engajada’. Quero dizer que, em certo sentido, a arte existe como uma interpretação compartilhada – ou oferece essa possibilidade, pelo menos. Achei difícil me envolver com a arte em uma remoção digital. Para mim, a arte atinge um certo nível de realidade quando consigo discuti-la com as pessoas. Quer concordemos ou discordemos, a forma como comunicamos uma obra de arte – seja em termos conceituais, formais ou afetivos – dá-lhe um significado; e essa troca de ideias muitas vezes acontece de forma imediata e casual. Encontrar os cenários para fazer isso tem sido difícil durante a pandemia e longos períodos de lockdown e, devo dizer, sinto muita falta.

Pablo Larios: Eu concordo: bienais e feiras de arte tendem a receber muitas críticas, mas, após dias de visualização e discussão concentradas, explicar aos outros por que algo impactou você (ou não) e ouvir suas respostas é uma condição insubstituível de experiência compartilhada. A arte é maior do que a soma de suas partes. Estou pensando nas muitas exposições que não vimos este ano: bienais como a Manifesta , por exemplo, assim como inúmeras mostras em museus e galerias comerciais que permanecem invisíveis in loco. No entanto, talvez de forma um tanto controversa, eu argumentaria que um grande número de artistas, editores, galeristas e curadores vinha sofrendo de uma sensação de fadiga e superexposição. Sem querer minimizar a tragédia deste ano, a chance de se reagrupar e focar foi, para muitos, na verdade, bastante positiva.

Andrew Durbin:  Tivemos que lidar com um calendário inconstante, cheio de atrasos e cancelamentos. Acho que seríamos negligentes em não discutir o efeito que isso teve na forma como fazemos a revista.

Evan Moffitt: A edição impressa da frieze é feita em Londres, mas estou baseado em Nova York, então a maior parte do meu trabalho sempre foi feito remotamente. O Lockdown nos forçou a melhorar ainda mais os sistemas pelos quais fazíamos isso – pelo qual sou grato – mas também nos fez examinar e redefinir a relevância editorial. Em vez de focar nossa cobertura em eventos importantes ou grandes mostras institucionais, tivemos a oportunidade de apresentar artistas cujo trabalho fala com o momento atual em muitos níveis. Também quero apoiar o ponto de Pablo sobre a importância de desacelerar. O acelerado jet set global sobre o qual Chayka escreveu provavelmente nunca mais voltará a ser como era, porque não haverá um mercado para apoiá-lo – e isso será uma vitória para a sustentabilidade ambiental.

Terence Trouillot: Eu tenho que dizer, como alguém que se sentia oprimido pelo mundo da arte, às vezes, a pandemia tem eviscerado esse problema para mim. Em parte, isso se deve ao fato de que as coisas ficaram mais lentas, mas mais importante ainda, porque parece haver uma comunidade de fomento mais combinada durante esses tempos difíceis. E o que quero dizer com isso é que, neste momento, encontrei mais apoio e conexão de meus amigos e colegas (colegas escritores e artistas especialmente) do que há algum tempo. Tornou-se uma tábua de salvação. Não trabalho internamente na Frieze há muito tempo, mas, mesmo nesse curto período, senti um senso de comunidade que, honestamente, não acho que já experimentei antes no mundo da arte.

Evan Moffitt:  Eu me pergunto se vamos olhar para trás e considerar esse período bom para a escrita artística, que pode envolver muita reflexão solitária? Quando galerias e museus foram fechados durante o verão em muitas partes do mundo, encomendamos uma série de ensaios para nossa edição de setembro, inspirados em ‘Seis Memorandos para o Próximo Milênio’ de Italo Calvino [1985-86], que refletia sobre a arte em maneiras interessantes.

Andrew Durbin:  Um escritor amigo meu me disse que o lockdown lhe deu um bloqueio de escritor quase intransponível, diferente de tudo que ela já experimentou em sua vida. Normalmente, ela passaria o dia inteiro escrevendo em seu escritório; então, à noite, ela veria amigos para beber e jantar. A relação íntima entre aquelas duas partes do dia, o quão necessários eram um para o outro, nunca a atingiu tão agudamente como no lockdown. Isso também era verdade para mim. Meu cérebro parecia inútil em termos de escrever críticas durante o ano passado.

Evan Moffitt:  Concordo em termos de crítica, que sempre se beneficia de um debate público robusto. Mas espero que a confluência de múltiplas crises que afetam a sociedade em geral – política, cultural, epidemiológica – tenha forçado as partes mais isoladas desta indústria a reconhecer que há mais no mundo do que apenas o mundo da arte. Espero que essa constatação possa gerar críticas por muito tempo e nos forçar a enfrentar, de maneira muito mais séria, as desigualdades estruturais. Muito dependerá se as instituições mais bem equipadas para apoiar trabalhos críticos – revistas, museus – apressem o retorno ao “normal” ou aproveitem esta oportunidade para destacar o interesse público.

Amy Sherlock: Para deixar um ponto muito óbvio, as crises de 2020 nos mostraram muitas vezes o quão fraturado e injusto o ‘mundo da arte’ é – para não falar do mundo em geral. Fui lembrado várias vezes de como todo o ecossistema depende do trabalho de muitos agentes – desde estagiários até os próprios artistas, muitos dos quais viram suas fontes de renda evaporarem durante o lockdown. Quando penso nas notícias que dominaram a cena artística do Reino Unido, foi a greve de seis semanas na Tate, a proposta de demitir mais de 300 funcionários de seu braço comercial – a parte mais diversa da organização, que inclui alguns de seus funcionários mais mal pagos. [A greve terminou em outubro, quando a Tate chegou a um acordo com o Sindicato de Serviços Públicos e Comerciais.] Ou a decisão de demitir quase dois terços dos funcionários do Southbank Centre de Londres, que está em dificuldades financeiras em parte por causa de seus inquilinos – incluindo grandes cadeias de restaurantes como Wahaca, Wagamama e Yo! Sushi – recusou-se a pagar o aluguel por meses.

Evan Moffitt: No Reino Unido, a existência de financiamento governamental para as artes significa que o público pode pressionar seus representantes para preservar ou aumentar algo que já existe. Até certo ponto, embora pequeno, esse pensamento está enraizado na cultura política. Nos EUA, 80% dos museus disseram que não sobreviverão mais um ano e o governo não está fazendo nada para apoiar empresas, instituições ou indivíduos. Dadas suas escolhas seguras e centristas para cargos no gabinete, o presidente eleito Joe Biden provavelmente não gastará capital político para colocar artistas na folha de pagamento do governo, no estilo da Works Progress Administration dos anos 1930. Ao mesmo tempo, eu me pergunto se uma crise dessa magnitude é a única que pode alterar a forma como pensamos sobre as estruturas de financiamento cultural.

Será que o sentimento prevalecente de desespero econômico forçará o mundo da arte a voltar aos velhos hábitos ou levará a sociedade a exigir mudanças dramáticas na forma como as artes são apoiadas? Quanto devemos perder para que essas demandas sejam finalmente atendidas?